Angewandte Filmtheorie

Die wachsende Präsenz audiovisueller Medien in unserer Gesellschaft fordert zur Reflexion heraus. Dabei hilft der Werkzeugkasten filmanalytischer Begriffe, den uns die Filmwissenschaft bereitstellt. Doch kommen wir damit nicht weit. Es sei denn, wir verbinden die Filmanalyse mit einer theoretischen Perspektive.

Was sind Theorien und Methoden? Wozu dienen sie der Filmwissenschaft? Wie hat sich das Verständnis von Theorien und ihres Geltungsanspruchs in den Wissenschaften verändert? Der erste Teil des Kapitels erklärt Funktion, Aufbau und Bedeutung von Theorien, ihr Verhältnis zur Erfahrungswirklichkeit, ihre Historisierung und Relativierung sowie die Auffächerung zum Theorienpluralismus, um ein Verständnis für die multiperspektivische Annäherung an den Film zu erzielen. Im Anschluss werden die Bedeutung, Vielfalt und die Interrelationen von Filmtheorien erläutert sowie historisierende Parameter in Vor- und Nachteilen vorgestellt: die geographische und nationale Verortung, die zeitliche Einteilung in Epochen und Zäsuren, die Gliederung nach Personen, schließlich die Verständigung nach (geisteswissenschaftlichen) Denktraditionen.

Erzählung, Bild und Ton als komplexes filmisches Gewebe sind der Gegenstand des Kapitels. Mit der Narratologie und Dramaturgie (Abschn. 1) werden die Bedingungen des audiovisuellen Erzählens geklärt: Strukturen der Handlung, Zeitgestaltung und perspektivischen Vermittlung stehen im Fokus. Die Besonderheit von  Blow Up (GB/I/USA 1966), die Erzählung zu destabilisieren und zu öffnen, wird als Ausdruck der filmischen Modernisierungsbewegungen der 1960er Jahre gesehen. Zugleich zeigt der Beitrag Anschlussstellen zu anderen Theorien in diesem Buch auf. In der Bildtheorie (Abschn. 2) wird das Spannungsfeld zwischen visueller und narrativer Ebene in den Blick genommen. Fungiert das filmische Bild als Vehikel der Erzählung oder emanzipiert es sich? Die bildhistorische Bedeutung von Blow Up im Diskurs zeitgenössischer Kunstentwicklungen seit der Mitte des 20. Jahrhunderts stellt den kontextuellen Rahmen dar: die Relation zwischen Abstraktion und Figuration in der Malerei, die Frage nach dem Wahrheitsgehalt des fotografischen Bildes und dessen Konkurrenz zu vorangegangenen Bildträgern sowie die Stellung des modernen Filmes im Gefüge der Künste. Im Bereich des Tons wird die Filmmusik untersucht (Abschn. 3). Die Analyse widmet sich der Verwendung intra- und extradiegetischer Musik als handlungsermächtigendes Element. Im Zentrum der Betrachtung steht das in Blow Up vermittelte, durch Michelangelo Antonioni selbst betonte ambivalente Verhältnis zum Einsatz von Musik.

Neoformalistisch-kognitivistische (Abschn. 1) und quantitative Ansätze der Filmanalyse (Abschn. 2) suchen nach einem Verständnis des Films jenseits psychoanalytischer oder hermeneutischer Zuschreibungen. Wie lässt sich die Gestaltung eines Films untersuchen, wenn wir davon ausgehen, dass Zuschauende den Film aktiv verarbeiten und dass der Film wiederum in dem Wissen um diese aktive Verarbeitung konzipiert wurde, also im permanenten Bemühen, die kognitiven Prozesse des Publikums mit den formalen Mitteln effektiv zu steuern? Antworten suchen die neoformalistische Filmtheorie und die daran anknüpfende kognitivistische Emotionsforschung. Um die unterschiedlichen Zielsetzungen von Filmen im Umgang mit den kognitiven Schemata der Zuschauenden dazustellen, wird Blow Up als ein dem Kunstkino (Art Cinema) zugehöriges Werk beschrieben und in Abgrenzung zu kanonisch erzählten Filmen diskutiert. Mit der genauen Untersuchung der filmischen Form, wie sie der Neoformalismus propagiert, korrespondiert die quantitative Filmanalyse, auch wenn sie nicht die kognitive Verarbeitung des Publikums einbezieht, sondern als Methode das Ziel verfolgt, belastbare und intersubjektiv gültige Informationen zur Schnittfrequenz, zum Bewegungsverhalten der Kamera oder zur Wahl von Einstellungsgrößen (u. a.) zu erheben. Werkzeuge der Digital Humanities – hier die softwarebasierte Auswertung von Kameradaten mithilfe der Programme Cinemetrics und Videana – erleichtern die Erhebung von Daten. Zur besseren Vergleichbarkeit wird hierbei nicht nur Blow Up, sondern das gesamte filmische Werk Antonionis zwischen 1950 und 1975 mit Blick auf die Kontinuitäten und Umbrüche untersucht.

Die Filmtheorie entlehnt Modelle aus den Gender Studies und aus der Psychoanalyse, um diskursive Bedeutungsebenen im Film herausarbeiten zu können. Psychoanalytisch orientierte Filmtheorie (Abschn. 1) zielt darauf ab, die Tiefensemantik des Filmes und seiner Figuren freizulegen. Sigmund Freuds topographisches Modell der Psyche, Jacques Lacans borromäischer Knoten um Imaginäres, Reales und Symbolisches sowie der Ödipuskomplex stellen dabei Kategorien der klassischen (erste Hälfte des 20. Jhd.) und der strukturalistischen Psychoanalyse (zweite Hälfte) dar. Mit ihnen wird der Entwicklungsprozess des Protagonisten in Blow Up (GB/I/USA 1966) analysiert. Dabei nehmen die Gender Studies (Abschn. 2) das konstruierte Verhältnis von Geschlechtern in den Blick und setzen den Fokus auf körperliche, soziale und kulturelle Dichotomien, Hierarchien und Stereotypen. Im Bereich der Filmwissenschaft sind es vor allem (audio)visuelle Repräsentationen und Konventionen – Körper- und sich daraus ableitende Rollenbilder –, welche im Zentrum der Forschung seit der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts stehen. Bei der Analyse von Blow Up im Kontext der feministischen Filmtheorie sind Blickstrukturen zentral sowie deren Implikationen für Fragen nach den Machtkonstellationen sowie Manifestationen von Begehren und Fetischismus.

Das Kapitel reflektiert das Potenzial des Films, die äußere Wirklichkeit wiederzugeben. Realismustheorien (Abschn. 1), die den Film seit seiner Entstehungszeit begleiten, suchen Antworten auf Fragen nach Wirklichkeitskonzepten und dem abbildenden Charakter des Mediums. Solche Theorien auf Blow Up   (GB/I/USA 1966) anzuwenden, bietet sich an, da der Film u. a. das fotografische Medium in seiner Funktion als Beweismittel explizit inszeniert und zugleich in Zweifel zieht. Poststrukturalistische Theorien (Abschn. 2) verstehen das Medium als ein immanentes System aus Zeichen, deren jeweilige Bedeutung nicht aus der Verbindung zur Wirklichkeit, sondern aus der Relation zu anderen Zeichen resultiert. Diese Verwebung von Sprache, Schrift und Bildern, mit denen Filme ihre narrativen Welten konstruieren, gilt es dabei, zu untersuchen und zu problematisieren. Der selbstreflexive und experimentelle Umgang mit der filmischen Form, wie ihn Blow Up praktiziert, also sein ostentatives Medienbewusstsein, zeigt, dass dieser Film gerade die Beziehungen unter den Zeichen sowie zwischen den Zeichen und der Wirklichkeit auflöst und infrage stellt. Untersucht wird dies im Rückgriff auf kanonische Positionen des französischen Poststrukturalismus (Gilles Deleuze, Jacques Derrida, Michel Foucault) und der Postmoderne (Jean-François Lyotard).

Theorien der Medienkultur sowie jüngere Poptheorien (Abschn. 2) enthierarchisieren das Verständnis medialer Ausdrucksformen, fragen nach ihrer Bedeutung und Wirkung, ihrer Performativität und Zeichenhaftigkeit und insbesondere nach dem implizierten Verhältnis von Macht und Widerstand, Utopie und Enttäuschung sowie Authentizität und Vermarktung. Als Kulmination dieser diskursiven Themen und Motive sticht die berühmte Szene mit dem Yardbirds-Konzert in Blow Up hervor. So lässt sich Antonionis Film als Ausdruck seiner Gegenwartskultur lesen, oszillierend zwischen Affirmation und Dekonstruktion.